Ivan Jablonka - Laëtitia (2017)

Un livre puissant et dramatique.

A force de voir des crimes aux infos, des fusillades, des agressions, des histoires de meurtres un peu partout, on en oublierait presque la gravité extrême des actes commis, et les nombreuses vies de détruites derrière tous ces faits divers. On en banaliserait presque le propos. J'ai envie de débuter cette chronique par une mélancolie, une envie de comprendre pourquoi je vis dans un monde ou l'on sacralise les auteurs de meurtres, au détriment des victimes, relayées au statut de second rôle dans l'histoire de leur vie brisée. Ivan Jablonka nous plonge, dès les premières lignes de « Lætitia », dans ce postulat dévastateur qui m'a immédiatement fasciné. Ici on ne mettra pas l'auteur du crime au premier plan, mais bel et bien Lætitia, jeune fille au destin tragique, assassinée en 2011, alors qu'elle n'avait que 18 ans.

La vie de Lætitia, et l'enquête sur sa mort, sont expliqué avec une bienveillance et un respect, que la mise en abîme de ses derniers jours nous parle comme si nous la connaissions. Une histoire tragique dans laquelle on se plonge avec une évidence fascinante. Une progression lente des enjeux tragiques apparaît au fur et à mesure, un découpage narratif qui expose les multiples points de vues progressivement, et surtout une histoire qui porte sur la France d'aujourd'hui, un regard inédit.

Jablonka raconte la vie de Lætitia Perrais et de sa sœur jumelle, qui ont un apprentissage de la vie si difficile, si brutal, si malchanceux, mais tragiquement si banal. Une histoire franche qui, loin de toute mélancolie facile, met l'accent sur ce qui compte chaque jour dans les décisions de la vie quotidienne. Le récit met davantage en accusation les choses qui peuvent paraître insignifiantes mais qui ont un impact sur la vie et surtout sur la mort. L'auteur porte un regard rétrospectif sur cette vie, avec ses défauts et ses moments inoubliables, faisant étrangement écho à la notre.

Dans ses derniers jours, Lætitia cherche à devenir femme, heureuse, réelle dans l'existence tout simplement. On s'identifie facilement à ce récit, on accompagne sans peine les décisions de la jeune fille. Jablonka expose simplement ses défauts. On découvre son côté volage, ses passions de gamine, ses fautes d'orthographes lorsqu'elle échange par sms avec ses amis. Il nous fait même comprendre les décisions fatales qui la mènera tout droit dans les griffes de son assassin.

Le narrateur se plonge lui même dans l'histoire en expliquant progressivement ce qui l'a poussé à vouloir écrire sur un sujet si délicat, dans un domaine exploité principalement par la « presse sensations ». Il joue sur un déferlement narratif profondément détaillé sur ses propres motivations et comment l'écriture de ce livre l'a changé. Malgré quelques répétitions de certains détails, il explique brillamment les années des sœurs Perrais, jusqu'au fatidique soir ou Lætitia perd la vie. Par son enquête il questionne la justice Française, le mépris des politiques qui restent sourds aux demandes de celle-ci pour fonctionner efficacement, mais observe aussi avec froideur le suivi des détenus, toujours plus difficile et géré par du personnel sans cesse réduit. N'empêche que jamais Jablonka n'écrit de réquisitoire, que ce soit contre les erreurs des parents biologiques, sur la famille adoptive des sœurs Perrais, ou même sur l'auteur du crime. Jablonka dresse au contraire des portraits touchant de parents dépassés, de flics dévoués brisés par l'enquête, des juges, des collègues, des étudiants, et pas mal d'anonymes dont la vie ne sera plus jamais la même depuis l'assassinat horrible de Lætitia.

Même lorsqu'il s'agit d'évoquer la récupération de Sarkozy de l’événement pour faire le procès de la justice et déclenchant ainsi une grève des juges en 2011, tout ceci est expliqué simplement avec franchise. Le style est factuel et spirituel, de celui qui veut transmettre un propos à charge, avec simplicité.

A la lecture de l'existence de cette jeune fille, frappée par un destin funeste, une leçon de vie s'impose. Avant que la mort ne nous emporte, faisons en sorte d'avoir un apprentissage de la vie simple et empreint de bon sens, malgré les incontournables cons et salauds qui nous collent aux basques. J'ignore si ce message était celui à retenir.... mais c'est ce que je retiendrais à la lecture de ce livre magnifique.

Stefan Zweig - Joseph Fouché (1930)

Motivations

Lire la biographie de Joseph Fouché était pour moi l'occasion de retrouver le style si agréable de Stefan Zweig. J'ai lu son étude de Mary Stuart l'an dernier et j'en garde un souvenir de lecture inoubliable. Je trouve que les biographies historiques originales sont rares. La plupart de celles que j’ai lues sont trop académiques et lassantes.
Et pour être complètement honnête sur mes motivations, je dois avouer que je suis lassé de la politique moderne toujours en train de faire culpabiliser les masses quand il ne s'agit pas de nous enfumer avec une démagogie ras du front. Dépolitisé, blasé et abstentionniste depuis deux présidentielles, je m'interroge souvent sur ce que fut la politique autrefois, notamment durant cette période si complexe et si brutale que fut la révolution Française.

Synopsis

Fils de marin-pêcheur originaire de la Loire, Joseph Fouché ne peux reprendre le commerce de son père en raison de sa santé fragile. Il choisit une carrière académique en entrant au séminaire de Nantes, puis devient professeur de science. Dans cette France de l’ancien régime, espérer une carrière n’est pas envisageable si l’on est pas “noble”. Il est ainsi voué à une existence universitaire, calme et provinciale, ni bourgeois, ni aristocrate. Le destin en décidera autrement car en 1788 il fait la connaissance d’un certain Robespierre à Arras. Sous la révolution, puis auprès des différents gouvernements, Fouché deviendra un des hommes politiques français les plus habiles, l’un des plus puissants de son époque, mais aussi l’un des plus cruels.

Critique

On s'éclate à lire cette biographie ! Malgré cette déclaration simpliste, je vous garantie que vous serez “challengé” sur cette lecture. Comme je l'affirmait en préambule, il s’agit d’une lecture en marge des exposés didactiques, passionnante et viscérale. Dans un mélange de narratif et de thèse historique accessible, Zweig nous plonge dans une époque trouble et magnifique a la fois. Fouché, représente bien son siècle, si tourmenté et violent. Il traverse cette époque carnassière donc l’impact est restée intacte aujourd’hui. Tantôt conseiller, tantôt proche des puissants, tantôt ministre de la Police, parfois dans l'opposition, l’homme incarne tout ce nous détestons dans les hommes politiques, et pourtant, encore aujourd’hui, il fascine. Aucun personnage n’a personnifié avec autant de brio la manipulation à mes yeux.
Aucune sacralisation n’existe dans le récit de Zweig, pas de scènes touchantes (on peut toujours rêver), mais beaucoup d’interrogations sur la vie politique sur l’avant et l’après guillotinage du gros Capet sont décrites simplement.
Je ne veux pas rabaisser Fouché en simple outil bureaucratique, le génie du type à d’une certaine manière, façonné le pays tel que nous le connaissons. Le machiavélisme de ses décisions, ses trahisons malgré tout cohérentes ou ses approches politiques radicales sans humanisme, sans raccourcis, (sans autorisations parfois) et même sans morale, ne laissent aucune place à ses ennemis toujours plus nombreux.

Et c’est là la force et la faiblesse de Fouché, dont je ne dilvulguacherait pas la fin de vie, même si je dois avouer qu’elle me laisse indifférent tellement le personnage n’est pas attachant un seul instant.
Le livre terminé, j’ai eu comme une impression étrange. La biographie de Zweig dépeint une à une les facettes du personnage, de façon frontale mais en expliquant (déjà en 1931) que les mêmes erreurs politiques se reproduisent aujourd’hui. L’idée n’est pas novatrice, mais lorsque l’on sait comment Zweig à fini sa vie, on est en droit de se  demander si cette oeuvre n’est pas une profession de foi. Comme un avertissement sur ceux que nous élisons….

Une ironie d’outre tombe ?

The Public Enemy (L'ennemi public) - 1931

Trois films marquent les années 30 aux Etats-Unis. Trois films qui présentent des gangsters comme des personnages romantiques, et feront polémique. « Little Caesar », « The Public Enemy » et « Scarface ».  La montée de la criminalité durant la prohibition, donne à certains auteurs la chance d'écrire sur leur expérience personnelle du milieu. Des auteurs comme Kubec Glasmon & John Bright avec leur livre « Beer and Blood ». Amis depuis l’enfance, jeunes arpentant les rues sordides de New York, ils s’inspirent grandement de leur passé pour écrire leur histoire. Warner, comme d’autres studios, estime que le public s’intéressera à ces biographies et décide d'adapter le livre des compères pour nous offrir : « The Public Enemy ». A l'instar de Scarface la même année, le film débute par un réquisitoire au public, annonçant une vérité dérangeante. A cette époque il était nécessaire pour les studios de se justifier avant que le film commence. Impossible à comprendre aujourd'hui tellement notre approche du cinéma est différente. Le média cinématographique est si embryonnaire en 1930, que les studios introduisent l'histoire, avec désengagement. L'audience est « responsabilisée » et les studios affirment clairement aux spectateurs qu’ils peuvent changer les choses. La dissimulation subtile n'existe pas encore, mais cela n'enlève rien à la puissance évocatrice de ces films. « Scarface » de Howard Hawks ira plus loin dans cette optique, allant jusqu'à montrer des élus débattre de la violence grandissante.

« The Public Enemy », pur « Film De Gangster » à l’ancienne comme on peut les compter sur les doigts d’une main, décrit la vision d’un univers parallèle, d'un seul bord, celui des truands. La police n’est jamais montrée sous un jour favorable et n’y fait finalement qu’un rôle de figuration. Le film démarre alors que les deux malfrats Tom Powers (Cagney) et Matt Doyle (Edward Wood) sont encore enfants. Nul doute que la longue amitié des auteurs a influencés nombres de moments de la première partie du film. Bien avant le début de la prohibition, les amis sont déjà du mauvais coté de la loi. Tom est trop désireux de mener un train de vie supérieur, comme son ami Matt. La prohibition arrive, et voir la réaction du citoyen lambda de l’époque, se ruer dans les « liquor store », acheter le maximum d’alcool, avant la date fatidique d’application de la loi Volstead est troublante. Images de transition inventives pour annoncer le début d’une nouvelle ère annoncée chaotique. Durant cette seconde période, Paddy Ryan (Robert E. O’Connor) constituera une équipe solide de « Bootleggers » conduite par Nails Nathan (Leslie Fenton qui incarne ici un gangster ayant vraiment existé), jusqu’aux gros bras intimidant les revendeurs, nouveau boulot de Tom et Matt. Seule la mort prématurée de Nails fera éclater une guerre des gangs entre l’équipe de Paddy et celle de Shermer, pour le contrôle des débits de boissons.

La réalisation de William Wellman est novatrice pour l’époque. Il emprunte parfois aux techniques du cinéma muet pour certains plans. La violence n’est jamais montrée directement, la caméra la fuit sans cesse. « Ce qui la rend encore plus insupportable » selon Scorsese dans un documentaire sur le dvd zone 1. Les points de vues de la caméra sont recherchés, inventifs et modernes. Il faut ajouter à tout ceci le jeu d’acteur de James Cagney, un modèle encore aujourd’hui. L’anecdote est qu’il devait jouer le second rôle de Matt au début, mais son jeu lui valu d’avoir le premier rôle finalement. Son expérience d’ancien danseur à Broadway est très présente dans son jeu. Sa gestuelle innovante (les coups de poings amicaux qu’il donne, le petit pas de danse avant de rentrer dans sa voiture…), jusqu’au moment qui créa la controverse lorsqu’il écrase un pamplemousse sur la figure de sa maîtresse. Moment culte et subversif, qu'il serait impossible à reproduire aujourd'hui. La réalisation est explosive, le casting admirable, le sujet délicat. Il s'agit définitivement d'un chef d’œuvre incontestable du cinéma mondial, pas moins.

La rondelle DVD est acceptable, comme ses petites sœurs du coffret « Gansgter Movies » volume 1 de chez Warner. Documentaire ou Scorsese se partage le rôle d’expert cinéphile aux nombreuses explications, avec Robert Skiar, historien du cinéma. Toujours lui sur les commentaires audio, non sous titrés mais passionnants si vous parlez anglais. Les news de l’époque, la bande annonce et un dessin animé Warner qui parodie les gangster. Ho joie ! Ho bonheur ! le film a les sous titres français. Ce DVD respecte le classique. L’image possède un beau noir et blanc. Côté son par contre c’est du mono mais le film à 80 piges c’est normal. Un must a posséder. Surtout a ce prix la.

Ancienne critique de mon site web Gangsterfamily.com consacré aux films de gangsters, que j'animais début 2000  

Murder my Sweet (Adieu ma belle) - 1944

Synopsis :

Le détective privé Philip Marlowe se voit confier la mission de retrouver l’ex-petite amie d’un gros bras tout juste sorti de prison. Parallèlement, il accepte d’aider un homme qui a besoin de renfort pour une transaction financière liée à une affaire de chantage, menée pour le compte d’une femme. Le soir de l’échange, Marlowe se fait assommer, et l’homme est assassiné. Revenu à lui, le détective décide de mener l’enquête et met peu à peu au jour une histoire aussi complexe que poisseuse, où meurtres, chantage et grande bourgeoisie s’entremêlent.

Murder, My Sweet est l’un des premiers films noirs — peut-être même le premier, selon certains. Un film où se croisent une galerie de personnages typiques du genre : le détective privé bien sûr, mais aussi le vieil homme richissime, sa jeune et séduisante épouse, sa fille effrontée et fouineuse, un homme d’affaires corrompu, des gros bras, des ivrognes… Et, fidèle à l’esprit des romans de Raymond Chandler, une intrigue tentaculaire où tout se mêle, tout se répond, avec en son centre le privé cynique et ironique : Marlowe.

Ici, il est interprété par Dick Powell — mon Marlowe favori, je dois l’avouer, devant Bogart. À ses côtés, Claire Trevor incarne une femme fatale aussi séduisante que manipulatrice, débordante de sensualité. Chaque apparition est un numéro : robes moulantes, paillettes, poses calculées dévoilant à peine ses jambes. Ajoutez à cela le rentre-dedans qu’elle inflige constamment à Marlowe, et vous obtenez l’archétype parfait de la femme fatale du film noir.

Le Marlowe de Powell (superbe interprétation) se fait embaucher par à peu près tout le monde. D’abord par Moose pour retrouver Velma Valento, son ancienne petite amie. Puis par Helen (Claire Trevor) pour récupérer un collier. Ensuite par Anne, la belle-fille de celle-ci, qui lui demande… d’oublier toute l’affaire. Au début de l’intrigue, Marlowe n’a pas un sou ; très vite, il croule sous le travail. Mais perspicace, il comprend rapidement que des forces obscures font tout pour l’empêcher de découvrir la vérité.

Edward Dmytryk utilise sa caméra comme un outil étonnamment moderne pour l’époque. La mise en scène est stylisée, nocturne, saturée de reflets et d’ombres. Les cadrages originaux alternent vues plongeantes, contre-plongées ras du sol, gros plans inattendus sur un livre ou un objet. Les scènes où Marlowe est assommé sont visuellement sublimes : l’image tourne, ondule, se voile de poussière ou de toiles d’araignée. Un style emblématique des meilleurs films noirs, que Dmytryk exploite avec une vraie maîtrise.

La seule fausse note réside peut-être dans la profusion d’événements. L’intrigue est parfois difficile à suivre tant il se passe de choses, tant chaque personnage poursuit son propre plan. Malgré une fidélité évidente aux romans de Chandler, la narration peut sembler ardue, et l’harmonie du récit parfois mise à rude épreuve.

Néanmoins, visuellement impeccable et porté par des acteurs incarnant à la perfection les figures chandleriennes dans une Amérique des années 50, Murder, My Sweet reste une petite merveille de cinéma.

Côté DVD, service minimum pour un Warner classique : un commentaire audio sans sous-titres et la bande-annonce originale (disponible en ligne sur ce site). En revanche, l’image est très bien remastérisée pour un film de cette époque. À découvrir en priorité pour ceux qui ne connaissent pas encore ce genre aujourd’hui un peu oublié.

Ancienne critique de mon site web Gangsterfamily.com consacré aux films de gangsters, que j'animais début 2000 

Gun Crazy (Le démon des armes) 1949

Bart, jeune américain d’une petite ville sans histoires, est dès son plus jeune age un passionné des armes à feu. Adolescent il tente le cambriolage d’une armurerie mais se fait épingler en un rien de temps. Jeune garçon amical entouré d’affection, l'entourage de Bart n’y voit qu’un caprice juvénile qui disparaîtra bientôt. Après un séjour dans une maison de correction décidé par le juge, l'affaire semble close. Ce n’est que le point de départ d’une carrière dans le crime, qui se poursuivra le jour ou il tombera amoureux d’une femme elle aussi animé par Le démon des armes ...

Synopsis :

John Dall, comme Freddy MacMurray avant lui en 1944 dans Double indemnity (assurance sur la mort) est un de ces types malchanceux qui tombe amoureux de la mauvaise femme, pour ensuite sombrer en enfer pour elle. Pour PeggyCummings (Laurie), jeune foraine aussi belle que douée pour utiliser une arme. Bart de son côté est à l’image de sa petite ville ou commence l’histoire : sans problèmes et calme. Le début du film est typiquement américain : Le jeune Bart exhibe fièrement son arme à l’école devant ses petits camarades de classe, comme un autre montrerait son canif ou son harmonica pour citer sa maîtresse. Bien loin de vouloir remettre en cause l’article débile de la constitution concernant les armes, le film ne dénonce pas la possession d’armes à feu mais tente de prouver au contraire que l’on peut être passionné d’armes dès l’adolescence, sans que ce soit une anomalie. Une première partie qui affirme subtilement que la passion des armes peut aussi concerner des êtres normaux, « pas mauvais pour un sou ». Preuve : La raison de l’envoi du jeune Bart en maison de correction est sa tentative d’effraction et non pas sa possession d’une arme à l’école...Bref, le propos du film n’est pas la, je voulais juste souligner les différences flagrantes que l’on peut observer entre nos deux mondes, dans de simples œuvres cinématographiques, surtout qu’au final nous sommes face à l’un des meilleurs film noir. Face à Bart donc, dont le caractère simple et tranquille se reflète dans la ville où il grandit, Laurie. Jeune et belle dont il tombe amoureux dès le premier regard, sous les yeux de ses amis d’enfance qui, témoins de leur rencontre, s’aperçoivent bien de la chose discrètement. Laurie est l’élément destructeur qui déclenche dans la vie de Bart ce qui le conduira à sa perte. Thème fidèle au Film Noir, la femme fatale manipulatrice et meurtrière. Ensemble le couple vivote et parvient difficilement à subsister.

Laurie veut du train de vie de star, d’un homme qui lui apportera le monde. Bientôt elle convainc Bart d’user de leur talent pour les armes pour faire des braquages. Le couple qu’ils forment, séduisant et meurtrier, va ensemble comme les balles vont avec les munitions. Bart agit par amour, comment pourrait-il en être autrement lorsque la femme qu’il aime lui fait un chantage comme Laurie lui inflige. Elle lui lance un ultimatum faussement pudique, tout en sensualité, enfilant ses bas lascivement dans une scène mémorable ou elle lui annonce tranquillement qu’elle le quitte si il refuse de se lancer. Bart se lance mais n’aime pas le nouvel aspect de sa personnalité. Désormais il est un braqueur et il n’aime pas l'image que lui renvoie son miroir. Il en vient même à regretter l’époque ou il n’était qu’un type honnête. Désormais plus rien ne semble réel pour Bart excepté Laurie. Laurie devient sa seule réalité, le reste n'est plus qu'un cauchemar. La réalité devient de plus en plus menaçante pour le couple de gangsters, pour qui chaque nouveau coup est plus difficile, et leur popularité plus importante. Plus de risque, plus de danger et pour Laurie qui développe une véritable dépendance au braquage, plus d’adrénaline également. Le cauchemar se matérialise peu a peu pour prendre une importance inquiétante lors d’un gros coup que Laurie à convaincue Bart de faire avant de fuir le pays...

Joseph H. Lewis. Utilise dans ce film les ingrédients que l’on connaît des Films Noirs à succès. Les icônes du malaise urbain bien sur, la pluie, la nuit, mais aussi des plans magnifiques et très inventifs. Je pense notamment à la célèbre scène du braquage de 3 minutes 32 secondes ou une caméra fixe se situe sur le siège arrière de la voiture de Bart et Laurie lors d’un braquage. La caméra se tourne juste une fois de quelques degrés pour montrer Laurie qui assomme un flic sur le trottoir avant de démarrer en trombe. Suit, juste après le démarrage, un sourire langoureux et érotique de Laurie enlaçant de son bras les épaules de Bart. Sourire de satisfaction quasi sexuelle évoquant clairement sa dépendance à la violence qui découle de leurs activités. Une scène immanquable. Sans créer de vision décalée novatrice majeure, Lewis se sert aussi de l’éclairage partiel pour ses personnages. Demi-éclairage, fumée, lieux exigus. Souvent les personnages sont dans des lieux presque anormaux. En planque en forêt, ou dans le wagon sale d’un train à vive allure. Parfois plusieurs, trois ou quatre, dans le même plan, ajoutant un sentiment d’étroitesse et d’inquiétude. Gun Crazy n’a pas fini de passionner les amateurs de "gangsters movies" à l’image travaillée et au final percutant. Gun Crazy est l'un des nombreux Film Noirs qu’il faut découvrir impérativement.

Ancienne critique de mon site web Gangsterfamily.com consacré aux films de gangsters, que j'animais début 2000